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Dúplex (Duplex, Estados Unidos, 2003). Dirigida por Danny DeVito. Con Ben Stiller, Drew Barrymore y Eileen Essel. Ficha técnica. Sitio oficial.
ESTRENO
Puntaje: 7. En los diarios: Claudio D. Minghetti (La Nación): 6, Pablo 0. Scholz (Clarín): 6, Horacio Bernades (Página/12), Paraná Sendrós (Ámbito Financiero): 6. Metacritic: 47. Rotten tomatoes: 33%

No hay novedades en el cine de DeVito y Dúplex tal vez sea un paso atrás en su carrera como director. Esto suena mucho peor de lo que en realidad es, porque las cosas no están para nada mal en la filmografía del misántropo bajito. Eso sí, la repetición lo perjudica bastante. Otra vez hay que intentar eliminar a alguien por problemas de convivencia. Otra vez, como en Tira a mamá del tren, se trata de una señora mayor (aka vieja de mierda). Otra vez la comedia negra, aunque ahora much(ísim)o más escatológica. Claro que este ¿aggiornamiento? de los gags (¿alguien duda a esta altura que los hermanos Farrelly cambiaron definitivamente el rumbo de la comedia? Aquí no hay adolescentes fumando porro en colegios secundarios para culparlos por los pedos y los vómitos) funciona muy bien en DeVito y esa idea de intentar que el espectador evite más de una vez mirar directamente a la pantalla le sale. Lo curioso es que los otros chistes, esos que no buscan provocar repulsión en la mirada, jamás desentonan y no parecen de décadas anteriores como en el costado más tradicional y apolillado de la comedia neoyorquina (no todos los directores se quedaron ciegos por allá).
La mano que le dan Ben Stiller y Drew Barrymore a DeVito es enorme. Ellos son, sin lugar a dudas, una de las parejas ideales, de esas que mejoran cualquier comedia (cualquier película sería aún más preciso). Claro que si bien ellos no terminan de repetirse en sus personajes, los dos tienen características que ya se les pudo ver más de una vez. Por ejemplo, Stiller intentando vanamente no perder el control y Barrymore a punto de quebrarse después de haber hecho todo lo posible por intentar solucionar un problema. La sensación del déjà vu constante, el exceso en la ironía y una tonta vuelta de tuerca a la que se le subraya la importancia juegan en contra de una película que podría haber dado mucho más si se la consideraba una excusa para un aluvión de gags que involucraron a gente que sabe escribirlos (Larry Doyle, que después se metió en Looney Tunes y venía de Los Simpsons, Beavis & Butt-head y Daria), dirigirlos y actuarlos.
Naza Chong.

Luna de Avellaneda (ARGENTINA, 2004). Dirigida por juan josé campánella. Con Valeria Bertuccelli, Ricardo Darín y Mercedes Morán.
ESTRENO
PUNTAJE: 0. En los diarios: Horacio Bernades (Página/12): 6; Pablo 0. Scholz (Clarín): 8; Marcelo Zapata (Ambito Financiero): 8; Adolfo C. Martínez (La Nación): 8.

Posteado en cinequanon el 21 de mayo del 2004.

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Bajo el sol de Toscana (Under the Tuscan Sun, Estados Unidos/Italia, 2003). Dirigida por Audrey Welles. Con Diane Lane, Lindsay Duncan, Sandra Oh, Raoul Bova y Mario Monicelli. Ficha técnica. Sitio oficial.
ESTRENO
Puntaje: 4. En los diarios: Hugo Caligaris (La Nación): 6, Martín Pérez (Página/12), Pablo 0. Scholz (Clarín): 4, Paraná Sendrós (Ámbito Financiero): 4. Metacritic: 49. Rotten tomatoes: 62%.

Posteado en cinequanon el 15 de mayo del 2004.

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Festival de Mar del Plata. Primera entrega. Todo por orden de visión:

The Tesseract (Oxide Pang). Puntaje: 4. Otra vez el viejo truco de repetir varias veces el mismo suceso desde distintos puntos de vista. La película tiene una mezcla clipera-publicitaria en el sentido utilizado por la crítica más rancia: banda sonora que son sólo canciones (mal) pegadas y esa suerte de post montaje que se popularizó mundialmente con las últimas entregas de Matrix (jueguitos entre imagen y sonido, cambios de velocidades y secuencias con planos de corta duración). Un momento visual interesante (una cogida que no se entiende muy bien y por momentos se filma con la cámara dada vuelta) dentro de una infinidad abrumadora de ‘cámaras imposibles’ y dos chistes buenos (uno, sobre un inventado Durion Pudin, muy bueno en realidad) dentro de una película publicitariamente sensiblera. Llama la atención que el catálogo del festival no mencionaba que la película estaba basada en una novela de Alex Garland, pero es entendible cuando se nota que la adaptación es muy mala. Muchísimo menos que la inflada The Eye que se exhibió en el MDQ anterior.
Hasta después de muerta (Parravicini, Gunche, De la Pera). Puntaje: 2. De los responsables de Nobleza Gaucha llega este intento silencioso de cruza entre comedia y melo. Chistes que atrasan casi un siglo (plop!) y que buscan el humor en todos los lugares equivocados (siempre fue pelotudo asumir que la gorda no coge aunque quiere y burlarse de eso) y pasiones contenidas al no permitirse jamás la cursilería. Lo peor es que parece un libro (mal escrito) con alguna imagen: los intertítulos son eternos y vuelve redundante a lo visual. El trío Kabusacki-Mango-Samalea sigue funcionando para musicalizar películas mudas e intenta levantar bodrios como este. Lo más interesante fue la introducción de Fernando Martín Peña y Pino Solanas sobre la importancia de la recuperación de los clásicos del cine nacional y el trabajo de APROCINAIN. Salvador Samaritano es muy simpático, pero ya está medio gagá.
Los soñadores (Bernardo Bertolucci). Puntaje: 10. Homenajes para todos lados, de los obvios (aunque en ese ’68 francés no eran tan obvios como ahora) y los no tanto. Una película completamente emotiva (¿puede no serlo una película en la que se vea a Jean-Pierre Léaud?) en la que cada imagen o sonido evoca al lugar en el que muchos se sienten más cómodos: una sala de cine. Una película especial para quienes disfrutan de la primera fila de una sala y para ser vista desde ahí (gracias jubilados agota entradas de mdq). En la película se cita a Godard diciendo que Nicholas Ray es cine, sin saber bien si eso es bueno o malo. De Bertolucci se puede decir lo mismo. Filma como nadie cada plano, sonido, movimiento, personaje (comparen como se ve Liv Tyler en Belleza Robada y como en Eso que tú haces o, para ser más crueles, en Armageddon). Cuando una película se ve así, no hay puntos bajos.
Farsa Reel 1. Puntaje promedio: 5. Los chicos de Farsa tienen ideas y se notan sus buenas intenciones. Pero adolecen el problema de la mayoría de los freaks: falta de discernimiento. Al ¿corto? de Mirtho, que dura casi una hora, le sobran 40 minutos. Se entiende, porque se siente imposible poder cortar a Santiago Segura, Jason Patric o Alex De la Iglesia. Pero es necesario. El avance del cuarto film de Farsa parece estar a mitad de camino. Se percibe la sensación de que le va a sobrar algo. Una lástima. El corto del último minuto de vida es un gran chiste, pero es de esos que tienen gracia sólo en una primera mirada. No hay que dejar de reconocerles una gran virtud: hicieron soportable a Damián Dreyzek a través de Panza. Ese es el corto más logrado de la proyección y decae sólo con el remate final, pero no adolece jamás de los tan comunes problemas narrativos. Además, ahí lograron algo impensable: las actuaciones son todas estupendas, toda una rareza genérica.
Dealer (Benedect Fliegauf). Puntaje: 8. Directo desde Hungría llega esta rareza, a la que la descripción del film la emparienta con otra rareza húngara: Sátántangó de Béla Tarr. En los escasos 160 minutos (si es que se los compara con los 450 de Tarr) la cámara suele tomarse unos diez minutos para completar un plano de 360° alrededor del personaje que esté hablando sin parar. Se nota mucho el trabajo que se hizo tanto sobre los colores del film como en todo el aspecto sonoro. Con varios momentos ideológicamente reprochables, pero si bien la ironía de usar una cama solar como cajón no tiene un grado de sofisticación interesante, es innegable que Fliegauf se las arregla para que se vea bien. A nadie le interesa (y está bien que así suceda), pero la película se llevó un par de premios.
Naza Chong.

Festival de Mar del Plata. Segunda entrega.

American Splendor (Shari Springer Berman y Robert Pulcini). Puntaje: 7. Una de las que más prometía a priori y que cumplió sin creces. La película es coherente no sólo con la estética comiquera en general sino también con el trabajo de Pekar. Tan coherente que en algún momento es inevitable pensar “ok, mete la vida real en el comic, hay que hacerlo en la película, se entendió, a otra cosa…” No es la única idea del film, pero es la que pide a gritos la atención todo el tiempo. Es cierto que en los primeros minutos funciona de maravilla y lo mismo sucede en las cumbres Pekar-Letterman. Paul Giamatti cumple y dignifica en un papel que tal vez lo saque de ese espacio reservado para gemas ocultas. Por momentos, James Urbaniak se parece más a Kyle MacLachlan que a Robert Crumb.
Afropunk: The ‘Rock n Roll Nigger’ Experience (James Spooner). Puntaje: 5. Demasiados temas e historias interesantes para un documental al que le falta trabajo de montaje. Puede pensarse como un documental para Mtv que la señal perversa rebotó ‘porque hay mucho negro’. Es menos cruel pensar en el DIY como única herramienta. Fundidos a negro que marcan la separación temática y dan lugar a una gran cantidad de personajes que introducen el nuevo tema repitiendo la misma frase. Funciona para estudiar las distintas etapas de la madurez de los punks: la evolución que se ve desde la principiante Mariko a la militante Tamar-Kali es abrumadora. Spooner cuenta su historia a través de 4 personajes y acierta al ponerlos a ellos por encima de todos (si quieren reconocer a los Fishbone, D.H. Peligro y demás etcéteras no esperen que aparezcan con el cartelito abajo). Una película que todo el tiempo busca ser discutida, porque esa es la manera de instalar un tema.
The Last Life in the Universe (Pan-Ek Ratanaruang). Puntaje: 10. La primera gran sorpresa del festival. Otra de las películas que son tan placenteras para ver como para escuchar. Un buen ladrillo para tirarle por la cabeza a quienes afirman que las comedias son siempre leves (casi nunca lo son). No para nunca: desde la sorpresa de su comienzo (el personaje central imaginando su suicidio en intentándolo varias veces sin resultados) a la avalancha de emociones del desenlace. Casi una suerte de Perdidos en Tailandia e incluso algún contrera podrá objetarle algún chiste en el mismo sentido que se le hizo a Sofia Coppola. Incluye un cameo desopilante de Takashi Miike. Dime con quien andas...
Une place parmi los vivants (Raoul Ruiz). Puntaje: 8. Noir que se ríe de los noirs y de las parodias de los noirs y… Con asesinatos que no dejan de ser divertidos, un tono azulado omnipresente y una insoportable música que parece remitir a las propagandas de algún magazine del cable. La narración fluye con tranquilidad y el grado de disparates tiene un increscendo en el que se termina pensando que es ridículo suicidarse sin una botella de vino y un cigarrillo en la mano. Una historia tan simple como absurda, y ese es precisamente uno de sus mayores atractivos (sin olvidar la destreza de Ruiz con la cámara).
I´ll See You in My Dreams (Miguel Angel Vivas). Puntaje: 2. Los problemas que se le pueden achacar a Farsa se encuentran aquí a la enésima potencia. Un maquillaje sin sutilezas parece ser la única idea del corto y tal vez también culpable para que este corto esté dando vueltas por festivales. Una historia de zombies idiotas (la historia y los zombies) plagada de flashbacks idems en las que se ven los traumas del personaje y de paso se explica de que va la historia.
Dead End (Jean-Baptiste Andrea y Fabrice Canepa). Puntaje: 3. Terror psicológico idiota (perdón la redundancia) que cumple con la cada vez más popular premisa “te asustás, pero la película es una mierda”. Golpes de efectos que funcionan y algún que otro chiste homofóbico divertido entre tanta actuación desastrosa y mogoliquismo explícitamente reiterado en las vueltas de tuerca. El plano que muestra el bosque es bonito, pero hace acordar al 'plano de los caballitos' de El Secdleto de la Tlompeta. Le gustó a Guido. A Agustín, también.
Beyond Re-animator (Brian Yuzna). Puntaje: 4. Una película Santiago Segura. Tan divertida como torpe y gastada. Narración renga e infinidad de ‘planos estelares’ (esos que llaman bien la atención). Se proyectó sin subtítulos. Algunas personas se fueron, pero era como irse de una película de Dario Argento por la falta de subtítulos. Se ve que todavía muchos, además del inglés tampoco entienden que historias y cine no son sinónimos.
Naza Chong.

Festival de Mar del Plata. Tercera entrega.

The Soul of a Man (Wim Wenders). Puntaje: 7. Una de las 7 películas sobre blues que produjo Marty Scorsesse (lo que quedó de The Soul of a Man y otras tres de la serie se proyectarían en el bafici). Wenders se sumerge en la vida de JB Leloir y Skip James, el segundo más interesante a nivel musical y biográfico que el primero. Skip se destaca en un género que constantemente repite fórmulas y en el que siempre todo tiempo pasado parece haber sido mejor. Sin embargo, el material fílmico de JB es presentado por, tal vez, los más simpáticos e inocentes sueco americanos que se puedan encontrar. En las performances de las canciones de ellos por bandas actuales se puede ver por qué es un género que agoniza desde hace décadas: lo más interesante proviene de quienes están más alejados del género. Tanto el material de archivo como las reconstrucciones tienen fluidez suficiente como para soportar una proyección en el Neptuno (se ltrabó el proyector dos o tres veces). Lo que menos funciona es la voz en off de Lawrence Fishburne que recorre la narración interpretando a Blind Willie Johnson, creador de Dark Was the Night.
In my Skin (Marina de Van). Puntaje: 10. Marina hace de todo en la sorpresa del festival: escribió, dirigió y protagonizó. Se decía que la mujer y el cine tenía la programación más pareja del festival, pero este tal vez sea el punto más alto. Viaje de iniciación en la autodestrucción y la antropofagia de una chica que parecería tenerlo todo para cualquier jubilado en la audiencia. ¿Por qué? Sólo por placer. La película elige cuando ser explícita y cuando trabajar fuera de campo y con silencios. El plano final es simplemente hermoso.
Into the mirror (Seong-ho Kim). Puntaje: 4. Otra más de terror. Otra más que asusta varias veces. Otra mediocre más. Si bien en los primeros minutos parecía (más) reaccionaria, el gancho de la película por momentos logra esconder sus fallas bajo la alfombra. El principal problema es que por momentos se aleja del terror y se embarra con el policial. Un par de planos visualmente logrados, una idea piola (la vida del otro lado del espejo), muchas decisiones idiotas y nada más.
Bartok (Ken Russell). Puntaje: 8. Especial para la BBC en blanco y negro sobre Béla Bartok. Ya en el ’64 Russell parecía tener conciencia de las bases de un videoclip. El film funciona siempre y nunca sus imágenes se vuelven redundantes (gran tentación clipera). Un acercamiento a la música de Bartok, pero con el acento en el aspecto visual.
Dance of the Seven Veils (Ken Russell). Puntaje: 6. Segundo especial para la BBC de un compositor europeo del doble programa Russell. Esta vez es el turno de Richard Strauss. Russell se acerca a lo que sería una biopic camp del alemán, en la que no se esquiva su relación con el nazismo, aunque se le buscan explica/justificaciones. Pierde en comparación con Bartok y además sufre por el desgaste que produce un doble programa televisivo.
Naza Chong.

Festival de Mar del Plata. Cuarta entrega.

The five obstructions (Jørgen Leth y Lars von Trier). Puntaje: 5. Todos conocen la fama de enfant terrible de Von Trier. Acá intenta plasmarlo en la pantalla y queda como un boludo. La premisa de la película es tan interesante y prometedora como el ego de Lars von Trier: a partir de los condicionamientos del borracho del ego, Leth tiene que realizar 5 remakes de su corto del ’67, The Perfect Human. El primero funciona bien y también el que intenta verse como Waking Life (demasiado obvio en la película que de ahí pidieron prestada la idea como para no explicitarlo), pero los otros dan un poco de vergüenza ajena. Especialmente el último, en la que aquella premisa dogmática de no nombrar al director se remplaza por darle -o castigar con- el crédito a quien no lo dirigió. Ese corto deja un sabor amargo que parece imposible de endulzar, y también es una pena que todas las cumbres Leth-Von Trier estén filmadas con una irritante cámara en mano.
The Perfect Human (Jørgen Leth). Puntaje: 10. El postre más sabroso después de una comida mediocre. La excitación que producía cada aparición de un fragmento del corto dentro del largo se multiplicó al poder verlo de corrido. Es increíble que cada elemento esté en el lugar en que produce un estímulo mayor. La voz en off es hipnótica (queda claro que Von Trier se inspiró en esta para utilizar la de Max von Sydow en su mejor película), la actuación de Claus Nissen aún hoy no atrasa un segundo y eso mismo sucede con el montaje, que parece hecho por algúnn revisionista (con buen gusto) de los sesenta. La distancia que toma Leth es la justa: se permite ironizar, sin que esa palabra se utilice con una connotación negativa. Es una lástima que se tuvo que aguantar 100 minutos de mediocridad antes de la felicidad hecha corto, pero se entiende que se haya programado después del largo, porque de otra forma durante su proyección no se podrían contener los abucheos.
Aileen: Life and Death of a Serial Killer (Nick Broomfield y Joan Churchill). Puntaje: 3. Otra muestra de ‘doxploitation’ del responsable de Kurt & Courtney y Biggie and Tupac. El canalla de acento inglés esta vez consigue bastante material interesante (quien haya visto Kurt & Courtney sabrá por qué eso es una rareza en él) y llega a exponerse como un chanta (muestra una trampa de edición que hizo en su documental anterior sobre el mismo tema, Aileen Wuornos: The Selling of a Serial Killer). Cada momento de Aileen en pantalla rebasa todo límite, parece un personaje complejísimo para retratar en menos de una hora y media, pero la omnipresente voz de Broomfield aparece todo el tiempo para intentar convencer al espectador cómo tiene que pensar y explicar qué quiso decir en realidad cada entrevistado. Quien asistió a la función para compararla luego con Monster, la película sobre Aileen que le valió uno de esos tipitos amarillos a Charlize Theron, puede sentir una indignación avasalladora y decepción al enterarse que Broomfield también estuvo metido en esa. Eso sí, la referencia a Día de la Independencia es de lo mejor y más divertido que se vio en una pantalla en años.
Twentynine Palms (Bruno Dumont). Puntaje: 1. Una de esas que parecen querer darle la razón a los que creen que las historias son importantes. Acá no pasa nada: durante la primera hora una pareja se pasea desnudándose por el desierto. Encima no había ningún otro lugar en el que apoyarse, la película no sólo se veía mal sino que se proyectó fuera de foco. No lo suficientemente fuera de foco como para que no se distinga que en el plano de la chica haciendo pis frente a cámara se veía la manguerita por la que fluía la falsa orina. Totalmente digna de pertenecer a la competencia oficial. Según imdb algo horrible y ‘hideous brutally’ pone fin al viaje de la pareja. Según otra fuente, a él se la dan por el culo... Quedará siempre la duda porque el deseo de una porción de torta en Manolo pudo más que la película.
Vai e Vem (João César Monteiro). Puntaje: 10. Una de las que más prometía a priori y de las pocas que dignificó al festival. Fue triste descubrir todas las virtudes cinematográficas y carismáticas de Monteiro post mortem. Durante las 3 horas de viñetas de la película, Monteiro logra que viejo verde adorable no suene a contradicción. En el film se toma todas las libertades posibles, a nivel argumental y estilístico. Casi todos los planos de la película son fijos (el llanto de Bárbara tiene un sutil travelling que nos acerca a ella y en el funeral un divertidísimo plano giratorio) y de larga duración. No es necesario saber que Monteiro murió de cáncer tres meses antes de que se proyecte por primera vez este film en Cannes para sentir como una de las imágenes más emotivas del festival a la que lo muestra escapar del hospital (en el que estaba internado por meterse un consolador de, al menos, el tamaño de un botellón de champagne) después de tener sexo con una joven enfermera. Es inevitable sentir la necesidad de tomar un colectivo a la salida del cine.
Naza Chong.

Festival de Mar del Plata. Ultima entrega.

Progrma Screaming Mad Crampi. Puntaje: 2. No se puede evitar sentir incomodidad al castigar a un personaje como Mad Crampi, pero la verdad es que la ‘maldición de los freaks’ recae con más fuerza sobre Toxicbox y Run Run, Bunny! El amor irónico que siente sobre sus criaturas no termina de funcionar nunca ni como amor ni como ironía. El breve pero jugoso anecdotario sobre el personaje Mad Crampi parece más atractivo que su obra angloparlante. Esta vez no fue torta de Manolo, sino el deseo de tabaco y un fernet los motivos de alejamiento de la sala para amenizar la espera por Los peyotes.
The Tulse Luper Suitcaises (The Moab Story). (Peter Greenaway). Puntaje: 7. Para decepción de muchos, no está mal admitir que esta vez le salió bien a Greenaway. Encima usa los truquitos de siempre (sí, toda esa parafernalia barroca que suele ser insoportable). Hay que reconocer que esta primera entrega (¿de 7?) no se vuelve nunca odiosa aunque se vuelve larga y densa. Greenaway parece haber notado que su necesidad de recargar la pantalla constantemente se vuelve, cuanto menos, agotadora y tal vez por eso la segunda mitad de la película parece ser más moderada visualmente. Habrá que esperar a una próxima edición para que no defraude y entregue el material por el que se ganó el odio de casi todos.
Destino (Domenique Monfery). Puntaje: 7. Todos esperaban este corto (muchísima gente sacó su entrada y se retiró después de este aperitivo). Casi todos esperaban muchísimo más de este corto. La conjunción de los mundos de Dalí y Disney, nada más. Es increíble ver en imágenes lo mismo que cualquiera podía imaginar de ese batido, ni una pizca de sorpresa. La animación parece un tanto torpe por momentos, aunque no deja de ser atrapante visualmente. Pudo haber sido chocante en el 46, cuando se pensó, pero la connotación sexual en los dibujos animados de Disney ya es moneda corriente por estos días.
Um Filme Falado (Manoel de Oliveira). Puntaje: 9. Los portugueses parecen estar majaretas. Al menos de quienes se proyectaron películas en el festival. Oliveira se toma casi tantas libertades como Monteiros y termina su film de forma abrupta, con un cambio de registro casi impensable. La cara de Malkovich congelada mientras pasan los créditos provoca esa sensación en el espectador (ojo, uno gritó “devuelvanmé la guita”). Hasta ese momento la película era el recorrido de una profesora de historia y su hija en un crucero desde Portugal a Egipto mientras ella daba una clase básica de historia y el capitán Malkovich trataba de chamullarse a todo lo que se movía.
Laurel Canyon (Lisa Cholodenko). Puntaje: 5. El hype más grande del festival. Todos se embobaron con Frances McDormand fumando porro todo el día y con su novio, un simpatiquísimo aspirante de Chris Martin. Es cierto que la película se permite un poco de acción entre ellos y la novia del hijo de Frances, pero no es mucho más que eso y el carisma del cantante. Christian Bale es el hijo insoportable y al hacer de la película su historia empalidece el relato. El último plano intenta aportar un poco de atractivo visual a un film que se había hundido hacía unas decenas de minutos.
Haute tension (Alexandre Aja). Puntaje: 6. Gore tan atractivo visualmente como idiota y reaccionario en lo argumental. Todo lo que se puede pensar que está mal en una historia se hace presente. Lo que le da placer a los ojos, también. Es cierto que el hecho de que la historia no cierre nunca es intencional (nadie puede ser tan idiota) y le da un tono irónico a la película, pero todo esto jamás termina de funcionar.
Naza Chong.

El gran pez (Big Fish, Estados Unidos, 2003). Dirigida por Tim Burton. Con Helena Bonham Carter, Ewan McGregor, Steve Buscemi, Billy Crudup, Jessica Lange, Alison Lohman, Danny DeVito y Albert Finney.
ESTRENO
Puntaje: 8. En los diarios: Horacio Bernades (Página/12): ; Diego Curubeto (Ambito Financiero): 10; Fernando López (La Nación): 8; Pablo 0. Scholz (Clarín): 9. Metacritic: 56.

Publicado en cinequanon el 16 de febrero del 2004.

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Black Eyed Peas: Where Is the Love? Click para ver el video con Real Player. Click para verlo en Windows Media. Dirigido por Will.I.Am. Página web oficial. Lyrics. Del disco Elephunk (A&M, 2003).
VIDEOCLIP
Puntaje: 3

Posteado en cinequanon el 9 de febrero del 2004.

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Infielmente casada (Serving Sara, Estados Unidos, 2002). Dirigida por Reginald Hudlin. Con Elizabeth Hurley, Bruce Campbell, Jerry Stiller, Cedric the Entertainer, Mike Judge y matthew perry.
ESTRENO
Puntaje: 2. En los diarios: Diego Lerer (Clarín): 2; Adolfo C. Martínez (La Nación): 4.

Posteado en cinequanon el 2 de febrero del 2004.

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Jeepers Creepers 2 (Estados Unidos, 2003). Dirigida por Victor Salva. Con Jonathan Breck y Ray Wise.
ESTRENO
Puntaje: 7. En los diarios: Martín Pérez (Página/12): 7; Diego Lerer (Clarín): 6; Diego Curubeto (Ambito Financiero): 1; Adolfo C. Martínez (La Nación): 6.

Posteado en cinequanon el 18 de enero del 2004.

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Estrenos: 1- Irma Vep (Olivier Assayas). 2- La secretaria (Steven Shainberg). 3- El señor de los anillos: Las dos torres (Peter Jackson). 4- Nadar solo (Ezequiel Acuña). 5- Mujer fatal (Brian De Palma). Me encantan y todos las olvidaron/descartaron: El viaje de Morvern, 800 balas, La mecha, La hora 25, Tan de repente, El juego de la silla y Río Místico. La peor: Bowling for Columbine (Michael Moore).

Discos: 1- Victoria Mil: Este cielo de estrellas caerá. 2- Fantasmagoria: Atravesando el camino (que nos conduce a los otros caminos). 3- Travesti: Axito. 4- Massacre: 12 nuevas patologías. 5- Jaime sin tierra: Tren. Peor: Tan biónica: Wonderful noches. Irregular: Francisco Bochatón: Hasta decir palabra. De afuera: 1- Cat Power: You Are Free. 2- Junior Senior: D-D-Don't Don't Stop the Beat. 3- Frank Black: Show Me Your Tears. 4- Ladytron: Softcore Jukebox. 5- Belle & Sebastian: Dear Catastrophe Waitress/ Bob Log III: Log Bomb. A destiempo: Har Mar Superstar: You Can Feel Me (2002); Scissor Sisters: Scissor Sisters (2004). Peor: The Darkness: Permission to Land. Me gustan un poco menos, quedaron afuera y nadie mencionó: Primal Scream: Dirty Hits; Placebo: Sleeping With Ghosts; British Sea Power: The Decline of...; Electric Six: Fire; Calexico: Feast of Wire; UNKLE: Never, Never, Land; Cosmic Rough Riders: Too Close to See Far; Mogwai: Happy Songs For Happy People...

tv: 1- Dirty Sanchez. 2- Indomables. 3- Disputas. 4- Cuentos de Terror con Alberto Laiseca. 5- Curb Your Enthusiasm. Lo peor: Todo Much Music y Mtv (excepto Dirty Sanchez y Jackass), especialmente I bet you will y Punk'd; Tvr; Cqc; 5ta a fondo.

Caprichos:
1- Jackass the movie y algunas otras.
2- El té negro chino y el earl grey.
3- Pintas.
4- Muchos blogs.
5-.
Bonus Tracks: Muchas otras cosas.
Lo peor: mi memoria que empeora.

Videoclips:
1- Travesti: Vacaciones en Israel (Leticia Roncoli y Marina La Grasta)
2- Mogwai: Hunted By a Freak (Plates Animation)
3- The White Stripes: I Just Don´t Know What To Do With Myself (Sofia Coppola)
4- Johnny Cash: Hurt (Mark Romanek)
5- Queens of the Stone Age: Go with the flow (Shynola)
El peor: Madonna y Britney Spears: Me against the Music (Paul Hunter).
Bonus: Junior Senior: Move Your Feet de Shynola; Har Mar Superstar: EZ Pass de Sarah Price; Scissor Sisters: Laura y Peaches: Set It Off (uno de los tres mejores que vi en el 2003, pero se editó en el 2002).

El señor de los anillos: El retorno del rey (The Lord of the Rings: The Return of the King, Estados Unidos/Nueva Zelandia, 2003). Dirigida por Peter Jackson. Con Viggo Mortensen, Liv Tyler, Orlando Bloom, Elijah Wood, Ian McKellen, Sean Astin, Cate Blanchett. Sin Christopher Lee.
ESTRENO
Puntaje: 8. En los diarios: Martín Pérez (Página/12): 9; Diego Batlle (La Nación): 10; Pablo 0. Scholz (Clarín): 10.

Posteado en cinequanon el 5 de enero del 2004.

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